[조선, 병풍의 나라(Beyond Folding Screens)] 아모레퍼시픽미술관 (서울시 용산구 한강대로 100)에서2018. 10. 3.(수)-12. 23.(일) 보물급 아모레퍼시픽 병풍 다 펼치면 10리가 더 되네" -스크린 형식의 TV 없는 시대 최고의 시각 매체로서 존재감을 발휘하다 고품격 19세기 후반 조선시대 병품 속에 담긴 당시 일상과 풍속 그리고 조선 후기 역사를 찾아가면 흥미로운 전시가 될 것이다
<기자 간담회> 미술관 홈페이지: http://apma.amorepacific.com
이번에 아모레퍼시픽미술관의 주요 소장품과 더불어 국내 10여 개 기관과 개인이 소장하고 있는 약 80점의 다채롭고 풍성한 병풍을 선보인다. 궁중 그리고 민간에서 사용한 병풍까지, 다양한 병풍에 쓰인 재료와 기법을 한 눈에 볼 수 있으며 병풍이라는 형식이 지닌 독특한 아름다움을 감상할 수 있다.
"이번 전시는 병풍이 유행했던 조선시대의 작품을 비롯하여, 전통을 잇는 근대의 몇몇 작품을 한 자리에 모아 전통문화의 가치와 의미를 재발견하고, 그 속에 담긴 이야기를 살펴보기 위하여 기획되었다.”아모레퍼시픽미술관 전승창 관장은 전했다.
<일월오봉도8폭병풍> 19세기~20세기초, 비단에 채색, 국립고궁박물관/<The Sun, Moon and Five Peaks>
일월오봉도는 다섯 개의 산봉우리와 붉은 해, 하얀 달 및 물결과 소나무 등의 도상으로 구성된 그림이다. 의궤 등 조선시대 문헌기록에는 ‘오봉도(五峯圖)’, 또는 ‘오봉병(五峯屛)’이라는 명칭으로 가장 많이 언급되었다. 일월오봉도는 조선시대 국왕의 권위를 가장 직접적으로 상징하는 그림으로, 실내외를 막론하고 임금이 자리하는 곳은 일월오봉도가 배경이 되었으며, 오로지 국왕만이 이를 사용할 수 있었다.
일월오봉도의 도상은 지배자의 복식을 장식하는 문양으로 중국 고대에서부터 사용되었던 일, 월, 성신(星辰), 오악(五嶽) 등을 포함한 십이장(十二章) 또는 『시경(詩經)』 「소아(小雅)」 편 ‘천보(天保)’에 등장하는 군주의 덕성을 상징하고 보호하는 각종 자연물들과 관련이 있다. 일월오봉도는 궁궐의 가장 중요한 의례 공간인 정전(正殿)이나 임금의 평상시 집무 공간인 편전(便殿) 뿐 아니라 궁궐 밖에서 의례를 행하기 위해 임시로 조성되는 공간에도 국왕이 자리하는 곳에 반드시 설치되었다.
또한 돌아가신 왕의 시신과 신주(神主) 및 왕의 초상화인 어진(御眞) 역시 일월오봉도 앞에 모셨으므로 일월오봉도는 국왕의 권위와 항상 함께하는 의장물로 기능하였던 것을 알 수 있다. 국립고궁박물관에는 궁궐에 전해져 온 여러 점의 일월오봉도가 소장되어 있는데, 도상과 화법은 동일하나 설치되는 장소에 따라 4폭・6폭・8폭 등의 접이식 병풍, 액자 형식의 그림을 별도의 받침대에 끼워 세우는 병풍(삽병 揷屛), 네 짝으로 구성된 창호(窓戶) 등 형태가 다양하다.
<TV극 같은 판타지 병풍 속에 담아 즐기다> 혹은 <TV 드라마가 없는 시대 최상의 파노라마>
해상군선도는 송원대 이후에 중국에서 확립된 화목(畵目)으로, 서왕모(西王母)의 요지연(瑤池宴)에 참석하러 가는 여덟 신선들에 대한 이야기이다. 조선 후기 김홍도(金弘道, 1745~1806)가 신선 그림에 출중하였다고 전해지는데 이후의 신선 그림은 대체로 김홍도의 신선 그림을 모본으로 하여 제작되었을 것으로 추정된다.
이 병풍은 고종황제가 독일 마이어상사(世昌洋行)의 조선 지사장인 칼 안드레아스 볼터(Carl Andreas Wolter, 1855~1909)에게 하사한 것인데, 필치, 김홍도의 신선 그림 도상 활용도, 화풍을 보면 도화서에서 제작하였음을 알 수 있다 그는 우리나라 최초의 외국이 회사인 '세창양행(Meyer&Co)' 공동창업주였다.
['해상군선도10폭병풍'에 대한 해설] 퉁소를 연주하고 있는 어린 소년은 한유(韓愈, 768~824)의 조카인 한상자이며, 관복을 입고 딱따기를 든 조국구와 가장 연로한 신선인 장과로 역시 화면의 왼쪽에서 살펴볼 수 있다. 이 병풍은 고종황제가 독일 마이어상사(世昌洋行)의 조선 지사장인 칼 안드레아스 볼터(Carl Andreas Wolter, 1855~1909)에게 하사한 것인데, 필치, 김홍도의 신선 그림 도상 활용도, 화풍을 보면 도화서에서 제작하였음을 알 수 있다.
고종은 독일로 돌아갈 때에 안전하게 귀환하고 건강하게 살기를 바라는 마음을 이 병풍에 담아 독일로 귀국하는 볼터에게 선물하였다. 그 후 볼터는 그의 딸 마리온 볼터에게 이 병풍을 물려주었고 그녀는 다시 그의 딸 예거후버에게 이 병풍을 남겼다.
이 병풍이 다시 조선으로 돌아갈 수 있기를 소망했던 어머니 유언에 따라 예거후버 여사는 3대에 걸쳐 지켜온 한국의 문화재를 세상밖으로 내놓게 되었다. 2013년 아모레퍼시픽미술관에서 긴 여정을 마무리하게 된 이 병풍은 1년 6개월 동안의 수리복원을 통하여 제작되었을 당시의 화려하고 아름다운 모습을 되찾았다. -미술관자료
화면은 오른쪽부터 수노인(壽老人), 황초평(黃初平), 삼선도(三仙圖), 자염도사(紫髥道士), 삼성도(三星圖), 한상자(韓湘子), 조국구(曺國舅), 장과로(張果老)를 묘사했고 각각의 기물이나 복장을 통해 유추 가능하다. 남극성을 의인화한 수노인은 주로 도복을 입고 사슴과 함께 등장하며 양치기 출신인 황초평은 신선이 된 후에도 양과 함께 나타난다.
동화자(東華子), 종리권(鍾離權), 여동빈(呂洞賓)은 전진교(全眞敎)의 도통을 잇는 사승관계로 삼선도로 묶여 그려지는 주제이다. 대체로 종리권은 쌍상투를 틀고 옷을 풀어헤쳐 배를 내민채 부채를 들고 있으며 여동빈은 유건(儒巾)을 쓰고 도검을 들고 있는 모습이다.
<금강산도10폭병풍(Geumgang Mountain)'> 19세기, 종이에 수묵, 개인소장
금강산은 우리나라의 대표적인 명산이다. 예로부터 불교와 도교의 성지로 여겨졌으며, 자연의 오묘한 조화가 응집된 지상의 낙토(樂土)로 숭배되었다. 이 때문에 금강산은 옛부터 회화의 주요 주제가 되었다. 금강산도는 이미 고려 때부터 그려졌다는 기록이 존재하며, 겸재(謙齋) 정선(鄭敾, 1676~1759)에 이르러서는 당시 유행하던 진경산수화, 여행문화와 맞물려 많은 수가 제작되었다.
19세기 이후 일반 회화에서는 쇠퇴하게 되는데, 이를 민화에서 계승하여 많은 금강산도가 그려졌다. 이는 금강산이 많은 사랑을 받았기도 했지만, 민족의 영산(靈山)으로 인식되면서 산악숭배와 신선신앙, 민간설화 등의 민간 신앙들과 결합하여 길상성이 강화되었기 때문이다.
이 작품은 현재 남아 있는 민화 금강산도와 비교하여 압도적으로 큰 화면이면서도 상세한 묘사가 돋보인다. 일반적인 민화들과 다르게 먹으로만 표현하였고 주요 지명만 붉은 색으로 썼는데, 이는 이 작품이 장식성이나 상징성을 보여주기보다는 금강산의 전경과 해설에 집중한 것으로 해석할 수 있다.
그러나 마면봉(馬面峰), 우두봉(牛頭峰)을 각각 말과 소의 형상으로 그려놓은 것이나 봉우리들을 사람처럼 표현한 것 등은 민화 금강산도에서 흔히 보이는 모습이라 주목된다. 금강산도가 일반회화에서 민화로 넘어가는 과도기적 작품으로, 작품의 크기나 필력(筆力)이 상당하여 금강산도 연구에 중요한 자료가 되고 있다.
<홍백매도8폭병풍(Plum Blossoms)>, 유숙(劉淑) 1868년, 종이에 수묵, 개인소장, 보물 제1199호
그러나 이 시기 매화 그림은 유숙의 매화도와 같이 병풍 형식의 장식성을 강조한 형태가 유행하게 된다. 이는 당시화단에 활발하게 유입되었던 청대 화풍의 영향 속에서 비롯되었다고 볼 수 있으나, 매화라는 주제가 사군자의 하나로 선비들의 이상을 상징하는 것에서 공간을 장식하기 위한 것으로 의미가 바뀌었다는 것과 관련이 있다.
이 작품은 유숙이 남긴 거의 유일한 매화도 병풍이라는 점에서 미술사적으로도 더욱 중요시된다. 화면 좌측 하단에 쓴 제시(題詩)는 명나라 예경(倪敬)의 '제고어사소장매화도 (題顧御史所藏梅花圖)'에서 따온 것이며, 뒤이어 1868년 11월 겨울비가 내리는 길상실(吉祥室)에서 그렸다는 제발이 있어 작품의 제작경위는 물론 분위기까지 파악할 수 있다.
<문자도 8폭병풍> 19세기 종이에 채색 화면 75*41cm 개인소장. 여덟 문자에 담긴 희망의 찬가 삶의 지혜에 대한 메시지를 전하다
매폭마다 5종류의 제례용 고동기가 그려져있다.후손에게 조상의 위엄과 권력을 알리기 위한 수단으로 제작된 것이다 제기의 양옆에는 '자자손손영보영'이라는 글짜와 '만년미수자손무강' 등 자자손손 만수무강을 비는 글귀가 보인다.
이 병풍은 1902년 11월에 진행된 조선의 마지막 궁중 연향(Royal Banquet)을 묘사한 그림이다. 덕수궁에서 열린 임인년(壬寅年)의 연향은 고종의 망육순(望六旬, 51세)과 즉위 40주년을 송축하기 위한 것으로 국가의 존폐 기로에서 황실의 권위를 세우고자 한 마지막 시도이기도 했다. 동일한 내용의 병풍이 국립고궁박물관에도 소장되어 있으며, 8폭의 좌목(座目)으로 보아 이 작품은 진연청(進宴廳)에서 기록을 목적으로 만든 계병임을 알 수 있다. 화면은 오른쪽부터 군신(君臣)이 참여하는 외진연(內進宴), 왕실의 구성원이 중심이 되는 내진연(內進宴), 밤에 열렸던 야진연(夜進宴), 행사 다음날 황태자가 베풀었던 익일회작(翌日會酌)으로 11월 연향이 시간 순서대로 담겨져 있다.
외진연 화면에는 시대적 특성이 고스란히 반영되어 있는데, 같은 해 대한제국의 정전(正殿)으로 완공된 중화전(中和殿)에 서양식 제복을 입고 도열한 신식군대와 태극기를 찾아볼 수 있다. 내진연 화면에는 명성황후의 부재로 고종과 황태자의 자리만 그려져 있으며, 야진연은 밤이라는 시간적인 특징을 나타내기 위해 곳곳에 호롱불과 유리등을 묘사하였다. 7폭은 황태자가 중심이 되는 다음날의 마무리 연향을 그린 것으로, 화면 중간에 검기무(劍器舞)를 추는 여령(女伶)들이 있다.
검기무는 민간에서 유행하던 검무가 궁중 연향에 편입된 것으로 1795년 혜경궁홍씨의 회갑잔치 그림에 처음 등장하여 마지막 연향인 임인년 진연에까지 꾸준히 그려졌다. 이 병풍은 화면의 내용 외에도 당시의 병풍 장황이 고스란히 남아있어서 궁중 병풍의 원형을 살펴볼 수 있는 중요한 가치를 가지고 있다.
서왕모(西王母)가 곤륜산에 위치한 요지(瑤池)에서 복숭아가 열리는 삼천년마다 여러 신선들을 초대하여 벌인 잔치를 그린 그림이다. 8폭 전체를 한 화면으로 사용하여 요지연(瑤池宴)을 묘사하였다. 잔치에 초대된 인물은 『목천자전』에 서왕모와 짝으로 나오는 주목왕(周穆王)과 도교의 신선인 이철괴(李鐵拐), 여동빈(呂洞賓), 남채화(藍采和), 마고선녀(麻姑仙女), 수노인(壽老人) 등이다. 1, 2폭에는 소를 타고 오는 노자(老子)와 사슴을 타고 오는 소선공(蘇仙公)을 그렸고 3, 4폭에 복숭아가 열린 정원에 앉아있는 서왕모를 그렸다.
그 좌측 5, 6폭에는 서왕모를 마주한 주목왕이 천녀들의 연주와 춤을 감상하고 있는 장면을 그렸다. 7, 8폭에는 잔치에 초대받은 여러 신선과 부처가 바다 물결 위에 표현되었다. 두루마리나 족자로 제작된 중국의 요지연도와 달리 조선의 요지연도는 병풍으로 많이 제작되었고, 인물의 구성도 중국 요지연도에 나오는 도교의 신선들 뿐 아니라 7폭 상단에 그려진 부처와 사천왕상과 같이 불교적 도상이 추가되는 조선적 특징이 드러난다.
요지연도는 복숭아, 곤륜산, 신선 등의 구성 요소로 인해 상서로운 의미를 지닌다고 여겨졌기 때문에 19세기 이후 궁궐혼례에 사용되었다. 그러나 임금의 자리인 어좌를 장식한다거나 세자 책례후 관료들이 계병으로 제작하기도 한 예를 볼 때 단지 길상의 의미에 그치지 않았음을 알 수 있다.
달빛 아래 대나무 숲은 그리고 정취가 넘치는 삶의 여유 즐기면서 초연한 삶의 태도를 보여준다.
기성도(箕城圖)는 평양성 일대 풍경과 평안감사 행렬을 담은 그림이다. ‘기성’은 고대에 기자(箕子)가 평양에서 정전(井田)을 경영하였다는 고사에서 유래된 평양의 별칭이다. 평양 도시의 성장, 회화식 지도의 발달, 실경산수화의 유행 등 18세기 사회의 변화된 분위기에 힘입어 제작이 성행하였다.
기성도는 평안감사 윤두수가 1590년에 간행한 『평양지』의 <평양관부도(平壤官府圖)>에 연원한다. 동쪽에서 서쪽을 내려다보는 부감시로 장대한 경관이 한눈에 들어온다. 1-2폭에는 북성을, 3-5폭에는 내성, 즉 평양성의 중추가 되는 시가지를 담았다. 6폭에는 중성을, 7-8폭에는 기자 정전의 옛터로 전해지던 외성을 담았다. 중앙의 시가지는 대로로 질서정연하게 구획되었고 선화당, 대동관 등 관서와 누정, 민가가 밀집되어 있다.
하단에는 대동강과 소나무숲이 길게 이어지며 양각도, 능라도가 보인다. 수묵과 담채, 진채를 적절히 사용하였으며 연분홍 복사꽃은 완연한 봄기운을 드러낸다. 강 위에는 70여 척의 행렬단이 장관을 이룬다. ‘상선(上船)’이라고 묵서한 정자선(亭子船)에는 평안감사가 탄 것으로 여겨지는데 장막 안에 놓여진 2개의 인궤(印櫃)를 통해 그 권위를 느낄 수 있다. 이 그림은 실존 인물의 행적을 그린 것은 아니며 정형화된 구성과 표현을 통해 19세기 화원화가의 작품으로 생각된다. 감상화를 넘어 평양의 자연•인문지리적 정보까지 담고 있어 사료로서의 가치가 매우 크다.
'수(壽)'와 '복(福)'을 하나도 같지 않는 다른 서체로 변형하여 하나의 회화처럼 조형화한 작품이다 인간의 상상력을 실험이라도 하듯이 기상천외한 서체가 놀라지 않을 수 없다. 포스트모던한 서체도 많다.
병풍의 화풍에 한국인의 장쾌한 멋을 유감 없이 표출하다
석연 양기훈은 19세기 후반에서 20세기 초 평양을 거점으로 활동한 화가로, 특히 노안도 분야에서 자신의 재능을 드러냈다. 노안도는 노안(蘆雁)의 발음이 노안(老安)과 같아 노후의 평안을 기원하는 길상적인 의미가 더해지면서 더욱 유행하게 된다. 이 작품은 검은 비단에 금니(金泥)로 기러기와 갈대를 그린 병풍으로, 원래 10폭이었으나 두 폭씩 이어 현재의 모습으로 다시 장황(粧潢)한 것으로 생각된다. 화면 우측언덕 갈대 숲에는 줄지어선 기러기들이 낙하하는 기러기들을 응시하고 있다.
하늘에서 땅으로 내려앉는 기러기들은 매 순간의 동작을 그려 넣어 마치 눈앞에서 착지하는 듯한 느낌을 준다. 병풍 왼편의 화제(畵題)에서도 이러한 기러기들의 움직임에 대해 언급하였는데, “내려앉을 땐 파책(波磔)의 형세가 나오고(下時波勢出) 날아오를 때는 군진의 대형을 갖추네(起處陣形分)”라는 내용이다.
이 글은 당나라 소주(蘇州) 출신의 시인 고비웅(顧非熊, 796~854)이 쓴 5언 율시 ｢기러기[雁]｣의 3, 4구이다. ‘파세(波勢)’는 영(永)자 필법의 제 8획 파책(波磔)을 의미하는 것으로 기러기가 내려앉는 리드미컬한 모습을 서예의 파책 운필에 비유한 것이다. 화제 옆으로 ‘패상어인(浿上漁人) 석연 양기훈(石然 楊基薰)’이라는 자신의 호와 이름을 적고 ‘석연(石然)’, ‘양기훈인(楊基薰印)’을 새긴 인장을 찍어 그림을 완성하였다. 화려한 금니의 필치가 돋보이는 아름다운 작품이다
안중식(安中植, 1861년 8월 28일 - 1919년 9월 10일)은 조선 후기와 일제 강점기의 화가로, 본관은 순흥, 호는 심전(心田)이다 도화서 출신인 그는 양천군수와 통진군수를 지냈으며, 1881년에 조석진과 함께 관비생으로 중국 유학을 다녔다. 이후 1911년에 조선서화미술회 회원이 되었으며, 1918년에 서화협회를 조직하여 회장을 지냈다. 그는 산수와 인물, 화조를 잘 그렸으며, 시와 서예에도 능했다. 그의 주요 작품으로 '산수'와 '군작도', '백악춘효도', '도원문진도', '성재수간도', '영광풍경' 등이 있다.
***<2018 광주비엔날레> 경계 없는 세상에 도전하는 세계 작가들 다 모이다
[리뷰] '2018 광주비엔날레' 2018년 11월 11일까지 본전시관과 아시아문화전당 등에서
[오마이뉴스관련기사] http://omn.kr/185rv
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[문명-지금 우리가 사는 방법: Civilization-The Way We Live Now] 국립현대미술관 과천 1원형전시실에서 2018. 10. 18일-2019. 02. 17까지 32개국 135명 작가의 300여점의 소개 MMCA 과천 전시 이후 중국, 호주, 프랑스 등 순회전 예정 기획 국립현대미술관과 FEP(미니애폴리스·뉴욕·파리·로잔 사진전시재단(Foundation for the Exhibition of Photography) 디렉터: 토드 브랜다우) <작성중>
국립현대미술관 과천 1원형전시실에서 2018. 10. 18일부터 2019. 02. 17까지 / 32개국 135명 작가의 300여점의 작품 소개 / MMCA 과천 전시이후 순회전 전시기획:윌리엄 A. 유잉(전 로잔 엘리제 사진미술관장), 홀리 루셀(아시아 사진 및 현대미술 전문 큐레이터) -문이번 전시는 이 지구상의 문명의 모든 것을 다 보여준다. 문명은 잠들지 않는다 <아래 4번째 작품> 킨디다 회퍼 작품 고대유물이 이렇게 현대미술관에 전시될 것이라는 것을 과거사람들은 상상도 할 수 없었을 것이다
21세기 인류의 신세대 풍속화를 얼마나 어떻게 카메라 렌즈에 담고 있는지 알 아볼 일이다. 사진을 생산하고 소비하고 재맥락화하고 재편집하고 있지만 아직도 이렇게 많은 사진으로도 세상이 환하게 보이는 것은 아니다 사진을 아마도 우리가 보지 못하는 것을 제대로 보기 위해서 몸부림 치는 것인지 모른다. 문명(文明)은 바로 이 세상을 밝히는 것이리라 이번 주제는 거창했지만 그리고 아주 디테일안 부제가 붙었지만 전혀 지구촌의 모습을 제대로 밝히지는 못한 것 같다 그 시도는 좋았지만..
사진은 무엇보다 시간문화의 전위로서 시대의 흐름 보여준다. 사람과 사물의 이동만이 아니라 화폐의 흐름과 유행의 변화 산업 인프라 디지털 시대의 등장으로 사양 산업이 생기고 심각한 자연파괴 재해 지진 등 모습도 극적으로 포착한다. 사진은 문명의 실패 매정 비극을 또한 가장 리얼하게 보여주는 매체가 되기도 한다 결론 과거를 알려주고 미래를 내다보면서 현재를 직시하게 역사가의 역할도 한다.
마리 관장은 “이번 전시는 동시대 문명을 보여주는 자리이자 세계적인 사진작가들의 작품을 한자리에서 보여주는 중요한 자리가 될 것”이다라고 말했다.
문명은 복잡한 기계와 같다 일종의 메커니즘을 가지고 있다 인간의 권력구조 정부 군사 외교 이념 등의 메커니즘 속 통제라는 문제에 부딪치며 그것을 극복할 수 있는 구체적 방안도 창안해 낸다. 사진의 무한한 가능성의 기능은 일종의 권력과 맞서는 무기로 사용되기도 한다.
사진을 통해 우리가 누구인가를 정의할 수 있고 또 우리가 어떤 삶을 살아야 하는지를 제시하고 있다. 전시는 작가들이 포착해낸 문명의 다양한 측면을 8개의 섹션주제 ‘벌집(Hive)’, ‘따로 또 같이(Alone Together)’, ‘흐름(Flow)’, ‘설득(Persuasion)’, ‘통제(Control)’, ‘파열(Rupture)’, ‘탈출(Escape)’, ‘다음(Next)’으로 구성된다.
인간과 동물이 다른 점은 역시 인간에게는 인지능력을 갖추고 있다는 것 인간은 이야기 픽션을 만들어낼 수 있는 능력과 이미지를 생성하고 생산할 수 있는 능력이 있다는 것이다
사진은 인류문명을 관찰하는 거대한 만원경인지도 모른다 그래서 외계의 세상을 또한 망원경과 같은 것이기도 하다 그런 메커니즘은 우주탐사에 가능하는 네트워크가 되기도 한다 사진의 기적은 기술이 예술이 되는 순간이다 그런 순간의 황홀함이 사람들오 하여금 밑도 없이 끝도 없이 사진을 찍게하는 동기가 아닌가도 싶다
칸디다 회퍼(Candida Hofer)가 현대의 여러 도서관 내부를 수년 간 촬영해 왔지만 위 작품은 819년에 만들어진 오스트리아 장크트 플로리안 아우구스티누스 수도원의 유명한 바로크 건축 양식의 도서관을 찍은 사진이다. 21세기 문명을 조망하는 전시에 포함된 것이 아마도 1300년 정도의 시간차가 있지만 그럼에도 상호 관련성을 보여주려 한 것 같다.
장엄한 천장 장식에서 여실히 드러나는 화려하고 풍부한 바로크 양식은 형태가 기능을 따르는 현대적인 시각에 낯설지만, 그럼에도 이곳에서 우리는 시대를 막론하고 도서관이 인간 벌집에 핵심적인 장소라는 것을 떠올리게 된다. 이런 책 속에는 고대로부터 이어진 인간의 집단적 노력을 이끌어 온 과학과 기술, 예술과 철학의 열쇠가 되는 중요개념들이 담겨 있다고 할 수 있다.
문명에 대한 견해 도 나라마다 다르다 독일은 문명과 문화를 독립해 보는 반면 영국이나 프랑스 문명과 문화를 상호 의존적으로 본다 사진은 시대의 증인으로 21세기 풍속화를 파노라마 방식으로 순식간에 동시다발적으로 전파하면서 인류에게 주는 메시지가 크다 이제 사진은 거대한 권력으로도 작용하는 것이다
미래학자 제임스 마틴은 자멸할 수 있는 현대문명일 수 있다고 이런 인류의 위험과 멸망을 사전에 막을 줄 예방주사가 될 수도 있다
로버트 워커 뉴욕 타임스퀘어 2002
시간을 한계를 넘어 공간의 가능성을 무한대로 확대할 수 있는 시각매체이기도 하다 8가지 섹션의 유기적으로 연결되어 있다 인간이 멸종하지 않기 위해서는 의식주 그리고 교통과 통신과 소통의 문제의 장애를 뚫어야 하는 과제가 크다 이럴 때 사진은 무엇인가를 다시 생각헤 보게 한다 사진을 진실을 증언하기 위한 인간이 만든 최고의 고발장치일 수도 있다 사진은 사람이고 사랑이고 삶의 한 스타일일수도 있다 그러나 그 해답은 없다
사진은 멋지게 보이지만 사실은 대인지뢰를 찍은 사진이다
이런 사진을 문명비평적으로 보면<21세기 사는 우리는 정보의 질주 속에 광고라는 버스를 타고 가는 혼과 뇌가 없는 존재인지도 모른다> 인간은 모든 것에서 떠나고 싶어 한다. 도망 욕망 점점 커지고 그것은 여행 욕망을 낳고 모르는 세상에 대한 무한한 호기심의 보다 멀리 보다 높고 보다 깊은 곳을 탐색하려는 몸부림으로 사진을 남기는 것이 아닌가 싶다.
그 이면에 치열한 전쟁이 있고 어마어마한 돈 거래도 이루어지고 비리가 많다 부패권력이 될 수 있다. 이런 것을 감시하는 것이 또한 사진이다 올림픽은 2조가 왔다갔다 한다 그것을 유엔에 안전보장이사회도 다르지 않다. 약소국의 행복과 입장은 깡구리 무시된다. 안보리 결정은 카다피 같은 존재를 하루아침에 사라지게 할 수도 있다 횡포를 부릴 수 있는 것이다 한반도 문제도 마찬가지다 삶과 죽음을 좌우하기도 한다
왕칭송(WANG Qingsong, 1966~)은 중국의 사회개방 이후 자본주의와 서구문화 유입으로 변화를 겪고 있는 중국 사회를 냉철한 시선으로 고발하며 화려한 문화 속에 가려진 사회의 어두운 부분이나 현실에 감춰진 진실을 보여준다. 디지털로 합성해 작업한 초기 사진부터 2000년 이후 인간 군상을 등장시켜 중국의 극단적인 자본주의를 냉소적으로 바라보며 소비사회의 근원과 인간의 깊은 내면을 표현한 작품 등 총 16점이 전시되어 그의 작품 세계 전반을 살펴볼 수 있다.
왕칭송이 작품을 통해 발언하는 중국은 경제, 사회 발전이라는 미명아래 고통 받거나 진실을 외면하는 인간 군상의 집합이다. 그는 자신이 직접 경험한 모순적 삶의 태도나 중국의 정치적, 사회적, 문화적 논쟁을 설득력 있게 제시하기 위해 많은 인원을 동원해 마치 연극무대처럼 과장된 상황과 극적 요소들로 하나의 장면을 연출하고 이를 촬영한다. 왕칭송의 차별화된 작품제작 방법과 작품에 담겨있는 특유의 풍자적 비판과 유머는 중국의 현실에 대한 강한 메시지를 전달하는데 사진이라는 다분히 객관적인 성격의 매체를 사용해 눈에 보이지만 망각하는 것들에 대해 깊이 있는 성찰을 담은 그의 작품은 세계 미술계의 주목을 받았고 아시아의 대표적인 사진 작가로 활동하고 있다.
2018년 모든 전시에서 한반도 빠지지 않는 주제는 역시 난민에 관한 것이다 이번 사진전에 예외일 수 없다. 인류의 최고 과제로 난민을 우리가 어떻게 끌어안을 것인가 숙제로 남게 되었다 난민은 1990년대 사회주의권이 무너지면서 등장한 신자유주의 30년이 낳은 인류의 비극이다 사진은 왜 신자유주의의 그 비인간적인 잔인한 폭력성을 밝혀내지 못한 것인가 일종의 직무유기다
예술 역사를 통틀어 끊임없이 경쟁을 벌여온 두 갈래의 사조가 있으니, 바로 사실주의와 이상주의다. 현대의 도시라는 기계의 그을음 속에서 어떻게 이상을 이룰 수 있을까? 한성필의 ‘파사드’ 연작은 현대의 도시 풍경을 작품에 담아냄으로써 이러한 이중성에 간접적으로 접근한다. 사진가 한성필은 세계를 다니면서 뛰어난 관찰력으로 건설 현장이나 보기 흉한 건물 개축 현장을 숨기는 용도의 가림막에서 특이한 건축 파사드 사진이다.
그 대규모 이미지들 중에는 예전에 그 자리에 있었으며 앞으로 다시 그 공간을 차지하게 될 건물의 사진도 있고, 환상을 그려내는 낭만적인 이미지도 있다. 한성필에게 그러한 파사드는 실제하는 그 공간이 지닌 ‘새로운 기억’을 형성할 가능성을 지닌다. 건물을 이런 그림으로 가리는 것은 여러 문화권에 공통으로 존재하는 방식이다. 한성필의 사진은 보기에 안좋지만 실제하는 모습을 반반하게 꾸민 이미지로 가리는 우리 문명의 집착에 의문을 던진다. 또한 현실과 가상이 교차하는 지점을 담아냄으로써 진짜와 가짜의 모호한 경계를 강조하며, 매개체로서의 사진에는 근본적으로 언제나 원본과 사본이 존재한다는 것도 생각하게 만든다.
[백남준아트센터 개관 10주년 전시《#예술 #공유지 #백남준] 백아트센터, 개관 10주년을 맞아 2018년 10월 11일부터 2019년 2월 3일까지 세계시민이 시공간 뛰어 넘어 동시대를 살아가는 지구촌 시대, 정보와 지식의 공유는 필수적, 평화와 공존의 최우선 조건>
세계시민의 목소리 공유하는 작품
[1] 지난 10년간 백남준아트센터의 전시, 퍼포먼스, 교육 등에 참여했던 작가들의 작업을 통해 예술의 새로운 존재론과 소통방식 탐색 [2] 자본화된 예술 안에서 새로운 예술의 존재론을 제시한 선구자들 사유제시 [3] 백남준아트센터 10년, 통계와 단어 분석, 사진, 출판물을 전시하는 아카이브 전시열다 급변했던 지난 10년의 한국 동시대 미술의 지형도 확인하는 자리 [참여작가] 안규철, 정재철, 옥인 콜렉코끼리
세계 통신과 유통의 공유를 주제로 한 작품
수레(유통과 소통이 지 작품의 주제)〉는 백남준이 말하는 ‘미디어에 대한 기억’을 담아낸 작품. 백남준은 코끼리를 탄 돌부처가 이끄는 커다란 수레에 앤틱 텔레비전, 라디오, 전화기, 축음기 그리고 스피커까지 그가 기억할 수 있는 많은 통신기기를 올려놓았다.
백남준은 당시 신제품이었던 텔레비전을 일부러 앤틱 텔레비전 케이스 속에 집어넣어 오래된 것처럼 보이게 했다. 텔레비전과 라디오를 가득 실은 수레는 케이블 전선으로 이어진 코끼리의 이동방향 혹은 기술에 발달에 따라 정보가 확산되는 것처럼 보인다.
이러한 미디어의 역사와 기억, 경험은 온 인류가 같이 공유해야 하는 일종의 문화와 역사의 공유지다. 백남준은 작품을 통해 이러한 기억을 인류와 나누기를 원했으며, 이러한 공동의 기억은 우리의 미디어 리터러시를 비롯하여 미디어에 대한 이해와 상상의 폭을 확장시켜 준다.
동양(백남준)과 서양(보이스)의 예술가의 영역을 공유를 보여주는 작품
티브, 다페르튜토 스튜디오, 언메이크랩X데이터 유니온 콜렉티브, ‘공유지로써의 예술’을 탐구하는 신작 소개
백남준과 보이스, 두 거물의 우정 네트워크는 상생효과를 내다 전시는 백남준과 예술적으로 교감했으며 예술이 지닌 정치적 혁명의 가능성을 모색했던 요셉 보이스 공통점은 자본화한 예술 속에서 새로운 예술 삶의 스타일을 제시한 거장들의 모습을 보여준다. 백남준 예술에서의 공유지(Commons) 개념은 프랑스 예술가인 파스칼 길렌(Pascal Gielen)의 말 "다중의 목소리와 반대의 목소리가 공명을 이루는 공간"과 유사하다
동양(백남준)과 서양(보이스)의 예술가의 우정의 공유를 보여주는 작품
백남준과 보이스의 우정을 너무나 단순하게 표현한 작품 여기서 볼 수 있는 앙증맞고 귀여운 토끼는 바로 보이스를 상징한다 그는 인류를 저렇게 착한 토끼보다 미개한 존재로 본 것이다 그리고 백남준의 TV는 미래의 인터넷을 말하며 모든 인류가 가장 저렴한 돈을 가장 빠르게 정보와 지식을 공유하는 사회에 염원이 담겨 있다 이 두 작가가 만나니 그야말로 예술계의 핵융합이 일어나게 된 것이다
종족과 편견을 넘어서 인류가 하나가 될 수 있으면 그런 이상향을 공유해야 한다는 주제의 작품
백남준의 문화패인 플럭서스(흐름 flow)의 이상향이 담긴 지도 <데콜라주 바다의 플럭서스섬(1964)> 여기에는 예술공유지의 모델을 보여주면서 <적대적 종족이 뒤섞인 공간>을 동경하고 있다(나치의 끔찍한 학살을 경험한 후라 더욱 절실했겠죠) 또 <원자폭탄과 그 희생자들의 무덤>이라는 단어가 나오는데 인류평화에 대한 강력한 염원을 엿볼 수 있다 동성까지도 허하는 친밀한 공동체에 대한 언급도 나온다 그리고 무엇보다 예술의 사유화와 상업화에 반대하고 있다 이들이 포퍼먼스를 중시한 것은 바로 작품활동에서 돈을 벌 수 없는 장르이기 때문이다
백남준의 <사유(독점)민주주의>가 아니고 <공유(share)민주주의>에 대한 유토피아는 결국 인터넷이라는 공공재를 발명하게 되어 기술적으로 현실적으로 어느 정도 구현하게 되었다. 맑스가 사유 없는 세상을 만들어보려고 하다가 실패한 대안을 백남준은 다 버리지 않고 그것을 주워다 다시 고쳐 사용한 것이다. 그래서 그가 실크 로드에서 영감을 받아 발명한 '전자초고속도로' 는 흥미롭다
사유에 대한 저항감을 가진 백남준은 그런 면에서 그의 작품의 시발점은 TV(비디오)코뮌이라고 할 수 있다 이제 백남준의 아이디어는 전지민주주의와 문화의 예술화 민주화에도 충분히 기여할 바가 많다 그것은 바로 우리 인류에게 남겨진 몫이기도 하다 특히 한국인들이 바로 그런 역할을 할 때 되었다. 백남준의 유언 "내일은 아름다울 것이다"가 진정 실현되는 것이 아닌가 싶다
백남준아트센터 10년을 맞아 미술관 측은 여러 모로 많은 준비를 하다
백남준아트센터 10년은 맞으면서 서진석 관장은 미래의 미술관에 대한 비전을 제시하고 싶은 의욕을 보이다 (공공재로서의 측면에서 사회적 측면에서) 사실 '하버마스'의 공론장 소통이론은 세계적으로 공인 받는 최고의 지적자산이다.그동안 백남준아트센터는 기존미술관의 선구자로 역할을 하기도 했고 지금 그런 전시가 일반화되기도 했지만 그동안 백남준 영토확장에는 충분하게 활동하는데 예산과 위상 등에서 위축된 것도 사실이다 이번 10주년을 맞아 공유지로서 백남준 아트센터 미술관을 어떻게 공유하고 활용할 것인가 공개 프로젝트를 통해서 실험적으로 메타 퍼포먼스를 벌릴 예정이다 아래는 인류가 그물망처럼 서로 얽히고 설켜 있음을 보여준다 10주년 국제세미나 강사와 내용 등도 소개되다
인류의 지식과 정보의 공유를 상징하는 세계를 나무 망(네트워크)으로 표현
백남준아트센터가 공공재임을 보여주는 프로젝트가 이번 전시 내내 계속될 것이라고 한다 백남준 아트센터 뒷뜰이다 여기 나무로 만든 그물망은 바로 네트워크를 상징한다고 봐도 좋은 것이다 인류의 공동 번영을 위한 나눔과 공유의 세상을 이런 오브제와 기호로 바꾼 것이리라
백남준아트센터 뒷뜰
박이소의 하늘을 공유할 수 있다는 상상력을 표현한 설치작품
박이소, <오늘>, 2001/2018, 전시장의 벽, 단관 비계, 4대의 프로젝터, 4개의 비디오카메라, 각목
박이소 작품, 하늘(창공)을 전시장 안으로 끌어들이는 작품 박이소의 개념도(설계도)를 보고 저작권 허락을 받아서 미술관에서 재현한 작품 아트센터 옥상에 4대 CCTV가 설치되어 있다 <하루 종일 해가 어떻게 움직이고 있는 지를 볼 수 있는 작품이다 해는 모든 사람의 공유물이다>
박이소(1957-2004)는 미국과 한국에서 1990년대와 2000년대 초반까지 예술가이자 교육자, 대안 공간 운영자, 활동가이자 미술에 관한 글을 생산하는 작가로 활동했다. 박이소는 창작은 작가 혼자 생성하는 산물이 아니라 나를 둘러싼 주변과의 상호작용을 통해서 생성되는 것이며 당면한 문제에 대한 해결 방안은 하나가 아니라 여러 개가 있을 수 있다는 점을 중요하게 여겼다. 따라서 그는 경계선을 넘나드는 자유롭고 불안하며 모호한 왕복운동 자체가 작품이 될 수 있다고 생각했다.
'오늘'은 잘려나가 바닥에 눕혀진 벽의 일부, 그리고 그 위에 투사되는 하늘의 화면으로 구성된다. 백남준아트센터 옥상에 설치된 네 대의 비디오카메라가 동쪽에서부터 서쪽까지 하늘을 향해 설치되어 태양이 움직이는 길을 촬영하고, 이 실시간 영상을 누운 벽을 향해 투사한다. 해의 실시간 이미지가 벽의 한쪽 끝에서 다른 끝까지 하루 종일 서서히 옮겨간다. 〈오늘〉에 사용된 재료들은 벽이 잘려진 일부 내부의 각목, 건축용 비계 등이며, 공사장의 재료나 칸막이를 전시장으로 끌어들여 건축과 파괴의 요소를 보여주고, 사용되는 이미지와 실재 사이의 차이점을 드러낸다. 그가 말한 대로 “주어진 역할대로 기능하는 질서 속에 있다기보다는 무질서와 혼돈, 불연속과 우연, 어긋난 인과관계, 미끄러지는 의미 등은 세상사 뿐 아니라 창작과 예술의 영역에서도 큰 부분을 차지하고 있다"
인간의 목소리 그 공명을 통해 서로의 울림을 공유할 있다는 점을 착안한 작품
안규철, 〈세상에는 말로 표현할 수 없는 것이 있다〉사운드 설치&조각, 나무, 혼합매체 360×360×90cm, 2018, 백남준아트센터 커미션
안규철 작가의 작품 소리의 공명(울림)을 시각화한 작품 / 안규철 작가는 <세상에는 말로 표현할 수 없는 것이 있다>라는 작업에서 소리를 굴절하여 반사하는 ‘사운드 미러’를 설치한다. 사운드 미러 앞에서 관객은 공간을 울리는 문장들을 만나게 된다. 우리는 소리라는 물결이 하나의 점에 수렴되어 큰 울림을 만드는 것을 경험한다. 그리고 작가는 그 물결이 다시금 퍼져 나가는 것을 꿈꾼다.
리미니 프로토콜, <100% 암스테르담>, 2014, 비디오/오디오 설치, 1시간 49분, <암스테르담 인구의 51%가 여성이고, 12%가 65세 이상이며, 0-4세 사이의 인구는 4%이다. 809,892명의 거주자 중 230,549명이 미혼자이며, 69,857명이 아이가 있는 기혼자이다>(암스테르담 170개국의 사람이 산다)
정재철, <크라켄–또 다른 부분>, 2018, 설치&영상, 혼합매체, 백남준아트센터 커미션/자연의 공유를 잘 하려면 어떻게 해야 하는가를 생각하게 하는 작품<인류의 공유지 바다를 오염하는 이 전지구적인 공유지의 비극의 상황에 예술은 어떤 역할을 할 수 있을까?> <자연의 공유를 훼손하는 것에 대한 경고가 담긴 작품>
정재철은 2004년부터 〈실크로드 프로젝트〉를 진행했으며, 2013년부터 현재까지 해양 오염과 바다 쓰레기에 관한 리서치와 참여적 작업을 진행하고 있다. 현장을 바탕으로 한 그의 수행적 작업은 공간과 장소의 기억을 발굴하고, 문화적 전이와 혼성을 드러내며, 자연과 교감하고 삶의 문제를 성찰한다.
2013년도부터 진행하고 있는 〈블루오션 프로젝트〉는 해양오염과 바다 쓰레기 문제의 심각성을 인식하고, 예술이 어떻게 그 문제를 다루어야 하는가에 대한 방법을 모색하는 것을 목표로 한다. 현재의 바다 쓰레기 문제는 단순히 인근 해안의 지역민들의 문제가 아니라 환경의 순환구조를 훼손하는 전 지구적 문제이다. 인류의 공유지의 해양오염의 비극의 상황에 예술은 어떤 역할을 할 수 있을까?
작가는 그간 이 해양 쓰레기의 지형도를 그리고 해양 부유 사물들의 표본을 떠서 문제의식을 제기함과 동시에 예술이 현실과 관계 맺는 방식을 모색해 왔다. 이번 전시를 위해 작가는 2018년의 제주도와 신안 앞바다의 쓰레기를 채취하고 기록하였다. 환경문제에 대한 예술가의 접근이 과연 얼마만큼의 공감과 각성을 불러일으킬 수 있는지 질문하는 작가의 작업을 통해 우리는 바다라는 공유지의 비극을 어떻게 처리해야 할지를 고민하게 한다
내년에 베니스비엔날레 나가는 남화연 작가의 영상. 무명의 노래(북한가요가 일본어로 번역되어 조선학교에서 불리게 되고 그러면서 널리 알려졌지만 여러 가지 여건으로 금지곡이 된다)가 공유될 때 일어나는 엄청난 힘이 어떤 것인지 보여주는 작품 [작가소개] 2004 코넬대학교 졸업 2008 한국예술종합학교 전문사 대학원 졸업
세계시민의 목소리 공유하는 작품 여기는 암스테르담
100% 도시’의 다른 작업들과 마찬가지로 이 작품 역시 인구통계학에 근거한 100명의 암스테르담 시민이 출연한다. 〈100% 광주〉와 같은 해 만들어진 이 작품은 동북아시아의 도시 광주와 역사적으로 국제적인 항구였던 암스테르담의 통계와 시민들을 통해 도시의 정체성과 공동체의 차이를 경험하게 한다. 암스테르담에는 터키와 모로코, 아프리카와 아시아, 전세계에서 온 다양한 민족과 국가의 출신이 함께 살아가고 있다.
정치적으로 도시의 무단 점유(스쾃)를 찬성하는 이와 반대하는 이가 동시에 자신의 생각을 말한다. 정치, 인종, 환경, 난민 등등의 이슈에 대해 시민들은 교집합과 합집합을 번갈아 오간다. 한 질문 안에서 반대 입장이었지만 금세 같은 입장이 되는 이 시민들 사이에서 우리는 공동체가 가진 정체성은 하나의 입장으로 대변될 수 없음을 목도한다
리미니 프로토콜, <100% 광주>, 2014, 비디오/오디오 설치, 1시간 40분 / <광주 인구 중 오직 1%만이 외국인 여권을 가지고 있고, 6%가 70세 이상이며 10%가 0-10살이다. 51%의 광주시민은 여성이고 3%는 전라남도에서 이주했다>
세계시민의 목소리 공유하는 작품 여라 나라 샘플이 있다 여기는 광주
리미니 프로토콜은 2000년부터 헬가르트 하우크, 슈테판 카에기 그리고 다니엘 베첼이 하나의 팀으로 작업하고 있다. 그들은 예술이라는 지속적으로 발전하는 도구를 통해 우리의 현실을 새롭게 제시하고자 한다. 리미니 프로토콜은 ‘100% 도시’라는 이름으로 이미 <32개 도시>에서 퍼포먼스를 진행했다.이 작업은 전통적인 공간, 문화, 그리고 정치적인 분리가 인구분포로 대변되고 이해되는 방식을 보여주는 통계자료가 제시하는 이슈를 생생하고 솔직하게 보여준다.공연에 등장하는 100명의 시민들은 특정한 도시의 인구통계학을 대신하여 그들의 이야기를 하고 노령화, 복지, 이민, 그리고 관계 등을 포함한 넓은 범위에 대한 그들의 관점을 표현한다.
세계시민의 목소리 공유하는 작품 여라 나라 샘플이 있다 여기는 광주
광주 인구 중 오직 1%만이 외국인 여권을 가지고 있고, 6%가 70세 이상이며 10%가 0-10살이다. 51%의 광주시민은 여성이고 3%는 전라남도에서 이주했다.
오 개월이 넘는 시간 동안 도시에 흩어져서, 〈100% 광주〉는 한 명의 멤버가 다음 멤버를 24시간 안에 섭외하고 그리고 그 사람이 다시 다른 멤버를 24시간 안에 구하는 과정을 거쳐 완성되었다. 그리고 그 멤버들은 한국에서 여섯 번 째 큰 도시의 인구통계학에 근거한 나이, 성별, 거주형태, 지리적 위치, 그리고 민족적 배경에 대한 통계 결과를 대변하는 사람들이었다. 광주라는 도시의 통계를 대변하는 이들은 과연 도시의 무엇을 대변할 수 있을 것인가? 그들은 이제야 막 알아가고 있는 한번도 제대로 연습해본 적 없는 합창단이자 새로운 그룹의 얼굴들로 계속 바뀌고 합쳐지는 불가능한 총합이다. 광주라는 도시와 도시인, 그들이 지닌 공동의 역사에 대한 정체성은 이 통계 안에 담겨질 수 있는 것인가?
히만 청, <나는 믿고 싶다>, 2016,
인터넷 상에서 자유롭게 배포되는 디지털 파일, 작가와 윌킨슨 갤러리 소장/싱가폴과 뉴욕에서 작가와 큐레이터, 그리고 소설가로도 활동 중인 히만 청의 작업은 이미지, 퍼포먼스, 상황 그리고 글쓰기가 만나는 교차로에 위치해 있다. 그의 작품은 일상의 상황 속에서 사람들이 행동하는 방식을 해체하며, 그 안에서 일어나는 내러티브의 생성과 기능에 대해 끊임없이 질문한다. 그에게는 미래를 상상하는 개인과 집단들의 존재와 행동 방식에 대한 철학적 개념과 근거에 대한 연구가 중요한 비중을 차지한다.
[현재 다다익선이 작동하지 않고 있다 이에 대한 다양한 목소리를 담은 영상]
1988년부터 백남준 돌아가실 때까지 백남준 작품 전자 테크니션 이정성 선생
다다익선에 대한 의견을 소개하는 영상 / 백남준 작품 전자테크니션 이정성 선생의 국립현대미술관에서 예술품이 아니라 시설물에 등록된 점에 대한 말도 안되는 백남준의 위상을 깎아내리는 모순점과 그에 따른 문제점을 지적하는 인터뷰 내용이 소개되고 있다 등등
[PS] 백남준아트센터 전 학예사와 국립현대미술관 학예사의 의견도 소개된다 / 그리고 영상에서는 나오지 않지만 어제 우연히 뵌 이영철 초대 백남준아트센터 관장의견은 아래와 같다
[천재 예술가는 국가도 못하는 일을 혼자서 한다 초대백남준아트센터관장 이영철]
뒤샹이 만든 예술 랜드와 베어드랜드(TV 발명자) 만든 하이테크 랜드 그 사이에 백남준은 세계미술사적으로 그 통로(채널)를 찾은 사람이다. 그것이 결코 쉬운 일 아니다. 아주 중요한 사건이었다. 백남준 같은 천재 예술가는 한 기관(국가)이 못한 일을 한 것이다 그의 대표작 다다익선 이런 천재들이 많으면 많을수록 좋은 것이다.
세계에서 정보통신이 가장 발달한 한국 삼성 LG와 같은 기업이 있는 나라에서 창피하게 모니터가 어쩌고저쩌고 정말 말도 안 된다. 이런 사건은 바로 백남준에게 물어봐야 한다. 뭐라고 대답하겠는가. 큐레이터는 항상 작가가 어떻게 생각할까를 생각해야 한다. 그 스스로 언제 고치라고 하지 않았나. 그런데 어떻게 모니터가 부족하고 전기세 너무 나가고 이런 이야기를 들으면 너무 어처구니없어 격분하게 된다. 국립미술관과 그 관장과 책임자들 정신나간사람들 아니가 하는 생각이 든다.
초대백남준아트센터 이영철 관장
백남준은 이미지 생태계를 생각하는 사람이다. 예술가란 바로 그 시대의 이미지가 어떻게 생산되고 소비되는지 그는 그런 비밀을 캐는 어마어마한 일한 사람이다 다다익선이 뭔가 천지개벽 개천절이라는 새로운 하늘이 열린 것은 알린 것이다 정보사회의 새로운 도래를 말이다 그런 시대정신과 한국의 역사 등 모든 것을 집약한 작품으로 한국에 와서 가장 한국적인 작품을 만든 것이다 세계의 이미지 생태계를 생각해야 하는 시대에 모니터가 어떻게 전기세가 어떻게 너무 좀스러운 관료화된 사고가 아닌가. 모니터가 무슨 예배대상이나 숭대대상도 아닌데 이런 것은 너무 한심하다고 생각할 수밖에 없다. -이영철
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[케니 샤프: 슈퍼 팝 유니버스(KENNY SCHARF, SUPER POP UNIVERSE)]전 롯데 아트 뮤지엄 7층에서 2018.10.3.(수)-2019.3.3(일)까지 <작성중>/구글'에서 한번에 들어왔는데 지금은 안 된다. 왜 그렇지 이젠 국가보안사령부도 같이 차단(?)
롯데 타워 입구
공상과학만화의 캐릭터와 소비사회의 메시지를 결합시켜 독창적인 예술세계를 펼친 팝아트의 귀재 케니 샤프의 전시를 연다
전시장 입구1
케니 사프전 앤디 워홀 이후 새로운 ‘슈퍼팝’의 세계를 창조한 회화, 조각, 영상, 사진 등 100여점 출품이 소개된다. 사이키델릭한 우주로 탈출을 상징하는 유토피아 공간, 초대형 <코스믹 카반> 대공개
전시장 입구 2
태극무늬 평화와 화합의 메시지를 담아 작업한 10미터 벽화 제작Club 57 :이스트빌리지 반항아들의 집합소 당시 하위그룹으로 잘 놀던 작가와 그의 동료예술가들 이들은 기성미술에 도전하다
<클럽 57(팝아트 문화패)>의 새로운 문화는 비전문적이고, 즉흥적이고, 공동체를 형성하는 방식을 통해 주류 예술에 도전했다. 현실에 대한 불안과 혼란은 그들 예술의 또 다른 에너지가 되었다. 이후 케니 샤프, 키스 해링, 장 미쉘 바스키아는 퀸즈의 모마 별관1에서 진행된 ‘뉴욕 누벨바그’전시에 초청되었고, 처음으로 그들의 새로운 예술을 대중에게 선보이게 된다.
<종말론 강박에 빠지다> 내일 죽을 지도 모르는 극도의 불안에서 태어난, 단 하룻밤의 재미를 위한 클럽 57의 실험들은 그들 작업의 근간이 되었고, 1980년대 이후 현대 사회의 시각문화를 변화시키는 새 반향을 일으켰다.
케니 샤프는 우리의 일상을 환상의 세계로 만든다
Cosmic Cavern 2012 dimentions dependent on the space
<사이키델릭한 유토피아로 떠나는 탈출구> 환경운동가로 쓰레기통을 환상의 천국으로 만들다 [케니 샤프: 슈퍼팝 유니버스(KENNY SCHARF, SUPER POP UNIVERSE)]전 롯데 아트 뮤지엄 7층에서 2018.10.3.(수)-2019.3.3(일)까지 [작가 취향 Psychedelic-Playful-Colorful-Cosmic-Joy of Life(No future)-Pleased-Plastic-the style of Fancy cartoon/<Super Extraordinaire colorful and powerful POP ART FANTASY> Cosmic Cavern :
Cosmic Cavern 2012 dimentions dependent on the space
1970년대 미국은 그들이 1950년대에 예측한 대로 아름답고 환상적인 세상이 아니었다. 1970년대 후반 경제침체와 냉전시대의 핵전쟁에 대한 공포가 극대화되면서 세기말적 종말론이 고조된다. 십대를 막 지난 케니 샤프와 젊은 예술가들은 당시의 불안과 혼란을 피할 수 있는 방법을 찾기 위해 이스트 빌리지로 모여 들었다. 일찍부터 컬러 티비에서 환상의 세계를 경험했던 케니 샤프는 ‘내일이 없는 듯 신나게 놀 수 있는’ 우주로 통하는 공간, 코스믹 카반을 창조한다.
Cosmic Cavern 2012 dimentions dependent on the space
코스믹 카반은 1981년, 친구 키스 해링과 함께 살던 아파트에서 시작되었다. 케니 샤프는 주워온 플라스틱 폐기물에 형광 페인트를 칠하고 벽 안에 붙여서 사이키델릭한 우주 공간을 만든다. 이후 케니 샤프는 친구들과 함께 파티를 즐기는 코스믹 카반으로 그 크기를 확장시키고 모마 별관 스튜디오에 설치했다.
대중에게 선보이기 시작한 이 환락의 공간은 뉴욕 이스트 빌리지는 물론이고 유럽에서도 큰 인기를 얻게 된다. 이후 작가는 휘트니 뮤지엄 비엔날레를 위해 미술관에서 머물며 코스믹 카반을 설치했고, 이 때를 기머점으로 코스믹 카반은 케니 샤프의 또 다른 대표작으로 자리매김한다.
Cosmic Cavern 2012 dimentions dependent on the space
코스믹 카반은 공간으로 나아간 <사용자 마음대로 만들기(커스터마이징 Customizing)> 작업의 확장판이다. 버려진 물건에 새로운 생명을 부여하는 그의 커스터마이징 작업은, 현실에서 벗어나 완벽한 세계에 도달하는 이상향이자 우주로 탈출하는 공간으로 확장된다. 그는 안전하게 자신과 친구들을 지킬 수 있는 사이키델릭한 유토피아를 창조했다.
코스믹 카반 내 설치된 TV는 한국의 대표적인 미디어 아티스트인 백남준의 작품을 오마주한 것이다. 현재까지 40여년간 케니 샤프는 36개가 넘는 클로젯–코스믹 카반 작업을 세계 각국에 전시했다. 이번 전시에는 특별히 한국 관람객 50명이 기증한 폐장난감이 함께 사용되었다.
작가 코스믹 카반
그는 지구 종말 이후 유토피아 세계로 이동하는 통로의 역할을 함과 동시에 과도한 소비주의와 환경 파괴에 대한 작가의 메시지를 담고 있다. 초대형 코스믹 카반은 환경문제를 예술로 확장시키는 케니 샤프의 실천적인 예술을 지원하는 롯데그룹의 적극적인 후원으로 이루어졌다.
관객은 자연스럽게 공간을 경험하면서 이 물건들에 대해 생각하게 되고, 플라스틱 쓰레기로 둘러싸인 우리의 환경을 함께 체험하게 된다. 우리는 이 공간에서 즐거움과 환상을 경험함과 동시에 우리가 만든 쓰레기로 오염되는 자연의 모습을 함께 함께 느끼게 된다.
케니 샤프: 슈퍼팝 유니버스(KENNY SCHARF, SUPER POP UNIVERSE)]전 롯데 아트 뮤지엄 7층에서 2018.10.3.(수)-2019.3.3(일)까지 그의 퍼포먼스 장면
자동차에 스프레이로 그리기 퍼포먼스 일종의 스트리트 아트의 한 면모를 보여주다
그의 작품은 과거에는 하위문화였지만 지금은 주류문화에 영입되다
[작가소개] <워홀(대선배), 바스키아(1960년생 2년 후배), 키스 해링(1958년생 동갑) 등과 가까운 친구> Kenny Scharf (1958-) 미국 캘리포니아 LA에서 태어난 케니 샤프는 키스 해링, 장 미쉘 바스키아와 함께 앤디 워홀 이후의 미국 현대미술을 대표하는 살아 있는 팝 아트의 전설이자 스트리트 아트의 선구자이다.
1978년 뉴욕으로 이주한 케니 샤프는 스쿨 오브 비주얼 아트(SVA)에서 수학하면서 예술적인 영감을 주는 친구들인 바스키아와 키스 해링을 만난다. 이후 그들은 뉴욕의 이스트 빌리지(뉴욕 시 맨해튼 남동부의 지명 "뉴욕 보헤미아 "라고도 자유 분방 한 젊은 아티스트들이 많이 거주하는 지역)를 활보하며 자유롭게 새로운 예술을 실험한다
대중소비사회 속에서 탄생한 팝아트,
일상을 환상의 세계로 변화시키는 마법 같은 예술
<대중소비문화의 예술화는 가능한가 그렇다> [초현실주의적 팝 Death of Estelle(우주여행의 좌절)] 시리즈 <20세기 현대 예술의 태동지로서 Club 57의 중요성을 밝히는 뉴욕 MoMA의 대규모 기획전 ‘Club 57: Film,
Performance, and Art in the East Village, 1978-1983’에 출품되었다. 패션과 광고 등 대중문화를 예술에 접목시키고 새로운 주제와 만화적 유희를 혼합한 케니 샤프의 [Death of Estelle]는 2차 세계대전 이후 현대미술사의 흐름에서 빠질 수 없는 작품으로 인정받다>
1979년 케니 샤프는 CLUB 57에서 만난 예술가 조이 아리아스(Joey Arias)에게 재미있는 제안을 받는다. 피오루찌(Fiorucci) 부띠끄에서 매니저로 일하던 조이가 케니 샤프에게 백화점 매장에 전시할 작품을 그려달라고 요청한 것이다. 이렇게 탄생한 것이 바로 [Death of Estelle]이며 이 전시는 케니 샤프의 첫 번째 뉴욕 전시로 기록된다.
당시 재학 중이던 SVA의 교수들에게, 만화 같은 그림을 그리고 우주에 집착하는 그의 작업은 그저 장난처럼 보일 뿐이었다. 그러나 CLUB 57의 친구 예술가들에게 그의 작업은 매우 실험적인 도전이었다.
이스트 빌리지의 반항아 케니 샤프는 [Death of Estelle]을 통해서 자신의 세계관을 표출했다. 이 전시는 케니 샤프가 처음으로 CLUB 57 밖으로 나와 대중에게 자신을 알리는 계기가 되었고, 케니 샤프의 작품 전반에 흐르는 철학을 보여주는 시작이 되었다.
작가는 [Death of Estelle]에서 이후 자신의 작업에서 보여줄 예술관을 모두 드러낸다. 라틴어로 별을 의미하는 ‘Estelle’이라는 이름과 우주여행을 떠난다는 설정, 그리고 캐딜락을 연상시키는 자동차와 에스텔의 패션은, 1950-60년대 우주시대와 미래주의에 대한 그의 향수와 열망을 반영하고 있다.
동시에 작가는 환상의 세계였던 TV와 피자 등의 대중적인 소재들을 핵폭발과 지구종말이라는 이야기와 혼합하여 초현실적인 팝아트(Pop Surrealism)의 방향을 제시한다. 이후 케니 샤프는 본격적으로 캔버스 작업에 집중하면서 자신의 예술세계를 발전시킨다.
[Death of Estelle]은 1980년대 새로운 예술의 태동을 보여주는 중요한 작품이다. 이 작품은 2017년, 20세기 현대 예술의 태동지로서 Club 57의 중요성을 밝히는 뉴욕 MoMA의 대규모 기획전 ‘Club 57: Film, Performance, and Art in the East Village, 1978-1983’에 출품되었다. 패션과 광고 등 대중문화를 예술에 접목시키고 새로운 주제와 만화적 유희를 혼합한 케니 샤프의 [Death of Estelle]는 2차 세계대전 이후 현대미술사의 흐름에서 빠질 수 없는 작품으로 인정받고 있다
식상한 시각문화에 그만의 독특한 색채언어로 선보이다
케이 사프는 소비문화가 낳은 똥(온갖 잡동사니)을 밥(당당한 팝아트)으로 바꾸다 역설적으로 만다라의 그림이 되다 거대한 팝의 우주를 향해 여행을 떠나다
팝아트의 미술사에 가장 큰 공로는 무엇보다 문화의 민주화다. 그리고 평화의 정신이다 이들은 전쟁을 반대하다. 미술을 고급적이고 고상한 것에서 일상의 거리로 끌어내린 것이다 <흔히 쓰다버린 전기제품을 의인화해서 커스터마이징 작업을 통해 반려동물처럼 그렇게 사랑스럽워하며 즐겁게 사용하다>
액면 가치(Face value)
낡은 물건들에 그림을 그려 새로운 생명을 부여하고 일상의 물건들로 전혀 다른 공간을 창조
사용자 마음대로 만들기(커스터마이징 Customizing) 시리즈 작품
사용자 마음대로 만들기(커스터마이징 Customizing): 재밌는 일상을 만드는 커스터마이징 / 케니 샤프는 작업 초기부터 커스터마이징을 통해 버려진 것에 새로운 생명을 부여했다. 작가 특유의 유머로 커스터마이징된 제품들은 저마다의 얼굴을 갖고 있는 의인화된 인격체로 재탄생한다. 작가는 작은 시계, 라디오, 전화기부터 시작해 의자, 침대, 자동차까지 새롭게 작품화한다. 그의 대표작이라 할 수 있는 코스믹 카반은 공간으로 나아간 커스터마이징 작업의 확장판이라 볼 수 있다.
'BAX' 2016 사용자 마음대로 만들기(커스터마이징 Customizing) 시리즈 작품
또한 길에서 만난 사람들의 실제로 쓰는 자동차를 스프레이로 커스터마이징하는 카밤즈(Karbombz) 프로젝트는 실생활과 예술을 접합시키는, 예술로 삶을 재미있게 만들고자 하는 그의 세계관을 여실히 드러내는 것이다.
TV 뒷모습을 독창적으로 커스터마이징(사용자[작가]가 하고 싶은 대로 만들기) 작업을 하다 일종의 의인화라고 할 수 있다> [BAX] 시리즈는 케니 샤프가 2016년에 공개한 새로운 형태의 커스터마이징 작업이다 / “갑자기TV 뒷면에서 얼굴이 보였다. 그 얼굴은 나를 보고 있었다. 나는 이것에 그림을 그림으로써 생기를 불어넣었다. 나는 내가 이미 본 것을 가져와 그렸다. 나는 모든 사람에게 내가 항상 보는 것을 보여주고 싶다.
키스 해링 퍼포먼스
키스 해링은 “이 괴짜는 뭘까 생각했다. 맨하탄의 모든 쓰레기를 다 끌고 다니는 것 같았다.”라는 말로 케니 샤프의 첫 인상을 서술했다. 뉴욕 시절 그는, 커스터마이징 하는 반 크롬이라는 제 3의 인물을 만들어내서 ‘반 크롬, 활동개시! (Chrome on the range)라는 제목으로 광고를 내기도 했다. 이후 케니 샤프는 환경 문제에 집중하면서 바다를 뒤덮은 플라스틱 폐기물을 직접 수거해 커스터마이징 작업을 완수한다.
초창기 괴짜의 실험적인 퍼포먼스로만 여겨졌던 그의 커스터마이징 작업은 소수만을 위한 엘리트 예술을 거부하고 ‘모두를 위한 예술’의 구체적인 실천으로 인정받고 있다.
사용자 마음대로 만들기(커스터마이징 Customizing) 시리즈 작품
케니 샤프의 커스터마이징 작업은 일상의 순간을 예술로 변화시키고자 하는 것이다. 이와 함께 작가는 각종 상품들이 버려져 쓰레기로 전락하는 현대 물질주의와 소비사회의 폐허를 드러내고자 한다. 직접 수거한 폐기물들을 새로운 작품으로 탄생시키는 커스터마이징 작업은, 일상을 예술로 변화시키고 더 나아가 관람객과 함께 환경문제를 해결하는 적극적인 캠페인으로 확장된다. 1980년대 초반 그는 쓰던 청소기에 그림을 그려 반려동물처럼 이스트 빌리지를 끌고 돌아다녔다.
Dragon serpents adore Korea! 2018
서울의 한강을 보고 태극무늬를 넣어 경쾌하고 재미있고 유머러스하게 큰 벽화형식으로 그리다 / *대형벽화(Mural): 케니 샤프는 본 전시를 위해 롯데뮤지엄 내부에 10미터 길이의 대형벽화를 제작했다.
케니 샤프는 이번 내한을 계기로 태극기를 접할 수 있었다. 음과 양의 조화를 작품으로 표현해온 케니 샤프에게 태극 형상은 무궁무진한 상상의 원천이 되었다. 케니 샤프는 가장 신비로운 동물인 용 두 마리와 태극문양을 조화롭게 배치하여 평화와 화합을 나타내는 벽화를 제작했다. 또한 서울을 감싸고 있는 산과 한강의 모습을 통해 아름다운 자연을 함께 표현했다.
[작가소개 2부] <케니 샤프의 작품은 뉴욕 구겐하임미술관, 휘트니미술관, 뉴욕 현대미술관, LA 카운티 미술관, LA 현대미술관을 비롯한 세계 유수의 미술관에 소장되어 있다.>
죽음의 행성 Jetstone
예술적 롤모델이었던 앤디 워홀을 만나고 클럽 57 과 같은 언더그라운드에서 퍼포먼스와 실험적 전시를 계속하면서 케니 샤프는 뉴욕 화단에 혜성처럼 등장한다. 1979년 뉴욕 백화점 피오루찌(Fiorucci) 매장에서의 첫 번째 전시를 시작으로, 1980년 하위문화로 여겨지던 작품들로 구성된 대규모 단체전 타임스퀘어쇼와 P.S.1의 뉴욕/뉴웨이브 쇼에 참여하면서 케니 샤프는 대중들에게 처음으로 작품을 선보인다. 이후 케니 샤프는 펀갤러리와 토니 사프라지 갤러리에서 개인전을 개최하면서 세계적인 주목을 받게 된다.
Super Pop 거대한 팝의 우주로 떠나는 여행
1982년 케니 샤프는 독일 하노버의 케스트너 게젤샤프트(Kestner-Gesellschaft)에 키스 해링과 함께 전시했으며 이듬해 스위스 루체른 미술관 전시에는 바스키아, 키스해링과 함께 참여했다.
이후 케니 샤프는 휘트니 뮤지엄의 휘트니 비엔날레에서 그의 환상적인 설치 공간 코스믹 카반을 전시했고, 명실상부 세계적인 작가로 성장한다. 1987년 앤디 워홀이 사망하고, 1988년에는 바스키아가, 1990년에는 키스 해링이 유명을 달리하면서 그는 큰 혼란에 빠졌다. 그러나 케니 샤프는 해외 유명 미술관 전시에 계속 참여하면서 독창적인 예술활동을 계속한다.
냉전 시대 우주로의 탐험은 그의 작품을 초현실적인 우주 공간으로 인도했다. 친구들을 빼앗아간 마약과 에이즈의 공포, 그리고 핵 전쟁과 환경문제에 대한 두려움은 고스란히 그의 작품에 녹아있다.
그는 미국의 대표적인 공상과학만화였던 플린스톤과 젯슨가족의 내용을 차용하는 것을 시작으로 독특한 외계생물체를 창조했다. 녹아 내리는 듯한 형태는 화려한 색채 그리고 작가 특유의 유머와 결합해 현실의 문제를 새롭게 보여주는 역동적인 상징이 되었다.
그는 뉴욕을 비롯한 세계 유명 도시의 거리에 그래피티를 남기면서 스트리트 아트의 초석을 세웠으며 지금도 회화, 조각, 퍼포먼스, 그래피티 등 장르의 구별 없이 활발히 활동하고 있다. 롯데뮤지엄은 아시아 최초로 케니 샤프의 작품을 총 망라한 대형 전시를 진행한다.
죽음의 행성 Jetstone
이 시리즈는 케니 샤프가 2016년에 공개한 새로운 형태의 커스터마이징 작업이다. 이 시리즈의 주요 소재는 버려진 구식 TV의 뒷면이다. 케니 샤프는 오래된 텔레비전을 수거한 후 플라스틱으로 된 뒷면에 우스꽝스러우면서도 강렬한 표정을 지닌 다양한 얼굴들을 완성했다. 이름 BAX는 TV 뒷판을 영어로 했을 때의 ‘backs’라는 발음에서 나온 것이다. 이는 또한 세상에 대한 일종의 충격요법이다. 쓸모 없던TV 뒷면은 놀랍게 변신하여 부족의 신령스런 가면이나 승리자의 전리품처럼 당당히 전시장 벽에 걸려있다
[사용자 마음대로 만들기(커스터마이징) 로봇 청소기와 다양한 콜라보레이션 프로젝트]
케니 샤프는 한국 전시를 위해 LG 전자의 로봇 청소기 Cord Zero R9을 커스터마이징 했다. 작가는 3 대의 R9을 구성하는 청소기, 충전기, 리모콘에 그림을 그리고 보석 등으로 장식해 개구쟁이 얼굴을 가진 장난꾸러기 악동, ‘Robby Robot’, ‘Rita Robot’, ‘Ricky Robot’으로 재탄생시켰다. 작품의 이름은 모두 모델명 ‘R9’의 ‘R’을 따서 지은 것이다.
이 이벤트는 LG 전자의 제품 협찬으로 이루어진 것으로, 관람객들은 전시장을 자유롭게 이동하는 작품들과 교감하며 이색적인 전시 관람의 재미를 느끼며, 케니 샤프의 삶을 위한 예술 철학을 직접 체험하게 될 것이다.
만화에서 영감을 받은 작품
이번 서울 전시를 기념하는 의미에서, 케니 샤프의 작품을 미술관 밖에서도 만날 수 있는 콜라보레이션 행사도 진행되었다. 국내 카 셰어링 브랜드 그린카의 차량 4대의 외관과 서울 지하철 2호선 전동차 1기 내부에 케니 샤프의 작품 이미지가 랩핑되어 현재 운행 중이다. 또한 롯데 주류 맥주 ‘Fitz’와 진행한 콜라보레이션은 경쾌한 이미지와 영상으로 SNS 상에서 반응이 뜨겁다.
케니 샤프의 작품 이미지로 새롭게 디자인 된 ‘Fitz 수퍼 클리어’ 캔은 특별 한정판으로 제작되었다. 케니 샤프와의 콜라보레이션의 일환으로, 롯데주류에서는 10월 3일부터 9일까지 [Fitz X KENNY SCHARF 비어가든] 행사를 진행한다. 롯데월드타워 잔디광장에 마련되는 비어가든 현장에서는 Fitz 맥주를 마시면서 케니 샤프 전시 정보와 특별 제작 아트 상품 등을 함께 만날 수 있다.
그는 스트리트아티스트답게 이번에 서울 지하철에서 작업을 할 예정이다 그의 모든 미술은 우주와 밀통하고 있다. 작가는 어려서 인류가 우주에 갈 수 있었다고 믿었단다 그러나 지금 우주여행을 하지 않는다. 그러나 언젠가는 갈 수 있기에 그의 작품에는 우주여행에 대한 열망이 큼을 알 수 있다
<나머지 사진들>
Donuts& Hotdogs 케니 샤프는 물질주의 삶이 주는 거부할 수 없는 화려함과 그 이면에 숨겨진 잔혹한 인간성이라는 양가적인 측면을 도넛 시리즈를 통해 표현한다.
[케니 샤프: 슈퍼팝 유니버스(KENNY SCHARF, SUPER POP UNIVERSE)]전 롯데 아트 뮤지엄 7층에서 2018.10.3.(수)-2019.3.3(일)까지 앤디 워홀 이후 새로운 ‘슈퍼팝’의 세계를 창조한 회화, 조각, 영상, 사진 등 100여점 출품 / 사이키델릭한 우주로 탈출을 상징하는 유토피아 공간, 초대형 <코스믹 카반> 대공개 / 태극무늬 평화와 화합의 메시지를 담아 작업한 10미터 벽화 제작 케니 샤프는 키스 해링과 동갑으로 같이 뒷골몰 이스트 빌리지에서 놀던 시대의 사진도 보인다
우주를 지향하다
냉전 시대 우주로의 탐험은 그의 작품을 초현실적인 우주 공간으로 인도했다. 친구들을 빼앗아간 마약과 에이즈의 공포, 그리고 핵 전쟁과 환경문제에 대한 두려움은 고스란히 그의 작품에 녹아있다
블롭(BLOBZ) 시리즈 초현실주의적인 화면,
블롭 시리즈는 케니 샤프가 보여준 다양한 변주가 집결된 작품이다. 만화에서 시작된 캐릭터와 그의 초현실주의적인 화면, 그리고 그래피티적인 요소가 혼합되어 있는 블롭에서 우리는 작가 특유의 기괴하면서도 유쾌한 감성을 함께 느낄 수 있다. 케니 샤프는 2000년대 초부터 작가 특유의 독특한 얼굴들을 혼합하여 추상성과 구상성이 합쳐진 새로운 블롭 시리즈를 보여준다. 케니 샤프는 스프레이 페인팅의 역동적인 에너지를 화면에 도입하여 보다 자유로운 표현을 이어간다.
블롭 시리즈는 작가의 우연적인 의식의 흐름과 독특한 캐릭터, 그리고 그 유기체적 형태들이 서로 얽혀 전달하는 각양각색의 감정들이 만나는 접점이다.우리는 흘러내리는 우스꽝스러운 얼굴들을 통해서 일상에서 벗어나 그림의 세계로 빠져든다. 세기말의 혼란과 공포를 극복한 케니 샤프는 블롭 시리즈를 통해 매일의 감정을 공유할 수 있는 독특한 조형언어를 창조한다.
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<가을하늘 도시의 숲에 핀 꽃이자 큰 별이다 우리에게 뭔가 산다는 고마움에 대한 희망을 준다> 기자가 농담으로 머리가 뜨겁지 않나요 하니 그의 재치 있는 대답은 "따뜻해요" 최정화 제 작품을 통해서 여러분의 이야기 숲을 가지고 가세요 최정화 작가는 이 작품을 사모곡 즉 어머니에게 바치는 노래가 하는군요 눈물 겨운 어머니의 사랑과 손길이 묻어 있는 냄비가 바로 이 작품의 주재료인 셈이다
요즘 거의 사라진 빨래판 구하느라고 고생을 많이 했겠죠. 중국에 가서 경우에 따라서는 플라스틱 빨래판과 바꾸기도 잘못하면 사람들의 오해를 사기에 그들과 친하기 소통하기가 우선이도 그것이 되면 나무빨패판 얻기가 쉽단다
역시 일상의 오브제에 대한 작가의 일관된 관심을 드러내는 작품이다. 중국 각지에서 수집한 나무빨래판은 세월의 흔적을 고스란히 갖고 있다. 작가는 이 빨래판을 반복적으로 배열하여 <중국식백과사전>으로 명명하였으며, 이번 전시에는 <늙은 꽃>으로 작품의 명제를 바꾸었다. 이 작품의 개명 역시 일상의 오브제를 발견하고 그것에 의미를 부여하고자 하는 작업태도를 반영한다
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[2018 쇳대박물관_열쇠패] 쇳대박물관 3층 2018.10.23(화)~2018.11.22(목)
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쇳대박물관(대학로 문화예술위원회 옆에 위치)에서는 선인들의 높은 공예문화 수준을 보여주는 유물이고 희소성과 함께 높은 예술적 가치를 지닌 소장품인 열쇠패전을 연다. 장수, 부귀, 건강과 평안, 자손 번창 등 염원(念願)을 담아 열쇠패에 새긴 다양하고 기하학적인 ‘길상어문(吉祥語文)’은 조형적 아름다움과 더불어 작은 공예품에도 정성과 의미를 담아내었던 조상들의 얼을 느낄 수 있는 소중한 시간이 될 것이다
[전시내용] 열쇠패는 목각(나무새김)이나 녹각(사슴뿔)으로 만들어진 패에 열쇠를 묶어 놓아 쉽게 찾을 수 있도록 하거나 열쇠에 대한 정보를 적어 놓아 많은 수의 열쇠를 보다 효율적으로 관리할 수 있도록 한 공예품이다. 한편, 실용적으로 사용되었던 열쇠패와 구별되는 특별히 더 아름답고 화려한 장식을 가미하여 만든 감상용 열쇠패가 있다.열쇠패를 하나의 작품으로서 전시하였던 문화는 동양권 뿐 아니라 전 세계에서도 우리나라가 유일하다.
또한, 그 독창적인 아름다움은 조선시대의 높은 공예문화 수준을 보여주는 중요한 자료다.별전열쇠패는 주로 혼례용 예물로 쓰였다. 혼인하는 딸의 예단함에 복과 재물이 주렁주렁 달리라는 의미로 열쇠패를 넣어 보내는 전통이 있었다. 이러한 열쇠패는 신방의 가구나 벽을 장식하는 데 쓰였으며, 안방마님의 권위와 집안의 행복, 나아가 나라의 안녕을 기원하는 주술적 의미가 담겨있다.
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왕실에서는 용이나 봉황 등의 왕권을 상징하는 형상물로 금속패를 만들어 왕실의 경사를 축하하였다고 전해진다.열쇠패의 몸체는 별전(別錢)이다. 별전은 법정화폐인 통용주화와는 구분하기 위해 달리 만든 기념주화이다, 길상(吉祥)과 벽사(澼邪)의 뜻을 지닌 각종 문양과 글귀를 새겨 넣기도 하였으며, 기복(祈福), 부귀(富貴), 훈고(訓告), 장수(長壽)를 기원하는 그림과 문자를 새겨 넣어 의미를 더하였다. 여기에 삼재를 누른다는 의미를 지닌 괴불을 달고, 또 다른 별전들을 색색이 비단 끈으로 줄줄이 엮거나 구슬, 매듭, 자수 등 갖가지 장식을 화려하게 장식하였다.
자수열쇠패는 별전 대신에 수놓은 비단이나 왕골을 몸체로 삼은 열쇠패이다. 고가의 귀금속 재료를 사용하지 않았기에 연령과 나이, 사회 계층에 관계없이 두루 만들어 사용하였다. 홍화, 치자, 쪽, 도토리, 석류, 양파, 동백, 쑥, 강황 등의 자연재료를 이용하여 고운 비단에 염색하였다. 그리고 그 위에 부귀영화와 부부화합을 상징하는 모란, 남녀의 애정을 나타내는 나비와 꽃, 부귀영화를 의미하는 박쥐 등 상징적 의미를 지닌 다양한 동식물 문양과 기원의 문구 등을 수놓아 완성하였다
[천경우, 모르는 평범함(ORDINARY UNKNOWN)]전 2018년 9월 14일-11월 11일 성곡미술관 <사건이 사진이 된다_일상의 해프닝과 퍼포먼스를 사진예술로 끌어올리다>
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